Aprende sobre algunas de las famosas pinturas en las que logramos ver y descifrar el "doble fondo".
La mayoría de los artistas ponen en sus pinturas algún significado oculto, misterio o acertijo que los críticos de arte y otros expertos intentan descifrar con el tiempo.
1. Hieronymus Bosch, Jardín de las Delicias, 1500-1510.
Yerun van Aken firmó sus pinturas "Hieronymus Bosch". Era un hombre acomodado y era miembro de la hermandad católica de la Madre de Dios. Sin embargo, muy probablemente detrás de la espalda de Erun van Aken mantuvo los dedos cruzados, porque según las suposiciones de los historiadores, Bosch era un hereje y pertenecía a la secta adamita y, por lo tanto, era un admirador de la herejía qatarí.
En aquellos días, la Iglesia Católica luchaba en todas partes contra los cátaros, y el artista tenía que ocultar sus creencias. Sin embargo, de acuerdo con los críticos de arte de todo el mundo, en la película "El jardín de las delicias" fue precisamente su creencia secreta del hereje, en la que él habla sobre las enseñanzas de los cátaros, que fue encriptada. Pero si sus contemporáneos supusieron esto, entonces Bosch, sin el derecho a la justificación, sería quemado en la hoguera.
2. Tivadar Kostka Chontwari, viejo pescador, 1902
Para descifrar la idea de esta imagen, tuvimos que colocar un espejo en su centro. Durante la vida del artista, este no es un rompecabezas para niños y no pudo resolverlo. Pero cuando los críticos de arte moderno pensaron en trabajar con un espejo, se sorprendieron por lo que vieron, ya que una imagen mostraba tres caras a la vez. El primero es la cara real del viejo pescador, el segundo y el tercero son sus personalidades ocultas: el demonio (reflejado en el hombro izquierdo) y la virtud (reflejado en el hombro derecho).
3. Hendrik van Antonissen, Vista de la orilla del mar de Scheveningen, 1641.
Cuando el lienzo ingresó al museo como un obsequio de un clérigo y un coleccionista a tiempo parcial en 1873, en la imagen las personas se reunieron cuando el clima era malo y se miraban simplemente al mar. Esto no ofendió ni una vez la curiosidad de los especialistas, ya que no estaba claro qué podría atraer a las personas a la costa con mal tiempo.
El misterio fue revelado más tarde con una cuidadosa restauración. Cuando se iluminó con rayos X, la imagen mostraba el cadáver de una ballena, arrojado a esta orilla. Y luego se hizo evidente que atrajo la atención de todas estas personas. Después de la restauración, apareció una ballena en la pintura, y esta obra maestra se hizo mucho más interesante, por lo que se le dio un lugar más honorable de lo que era antes. Por sugerencia de los restauradores, la ballena podría ser borrada y esbozada por el propio artista, que pensó que no todos querrían contemplar una criatura del mar muerto en la imagen.
4. Leonardo da Vinci, La Última Cena, 1495-1498.
Cuando el artista creó esta obra maestra, más que nada, prestó atención a las figuras principales: Cristo y Judas. No pudo encontrar niñeras adecuadas durante mucho tiempo, pero un día se encontró con un joven corista en un coro de la iglesia y le copió la imagen de Cristo. Sin embargo, tuvo que buscar a un hombre para la imagen de Judas durante 3 años más, hasta que el artista se encontró con un borracho que yacía en la cuneta.
Era un hombre joven, cuya apariencia distorsionaba la embriaguez de la embriaguez. Y cuando, después de calmarse, Da Vinci comenzó a escribir con él la imagen de Judas, el borracho dijo que ya había posado para él hace 3 años. Resultó que este hombre caído era ese joven corista que posó para la imagen de Cristo.
5. Rembrandt, guardia nocturna, 1642
La pintura más grande del artista fue descubierta solo en el siglo XIX, después de lo cual visitó las famosas salas del mundo bajo el título "Vigilancia nocturna". Se le asignó un título a la imagen porque parecía como si las figuras funcionaran sobre un fondo oscuro, lo que significa, por la noche. Y solo a mediados del siglo XX los restauradores descubrieron que la imagen de vez en cuando está cubierta con una capa de hollín. Después de despejar la obra maestra, quedó claro que la escena tiene lugar durante el día, ya que la sombra que cae de la mano izquierda del Capitán Cock indica que el tiempo de la acción es de aproximadamente 14.00.
6. Henri Matisse, Barco, 1937
En 1967, una pintura de Henri Matisse "The Boat" de 1937 se exhibió en el Museo de Nueva York. Sin embargo, después de 47 días, uno de los especialistas llamó la atención sobre el hecho de que la imagen probablemente se publique "al revés". Elementos importantes de la imagen son 2 velas, una de las cuales es un reflejo en el agua. Por lo tanto, en la versión correcta, la gran vela debe estar en la parte superior, y su pico debe mirar en la dirección de la esquina superior derecha.
7. Vincent van Gogh, autorretrato con un tubo, 1889.
En la oreja cortada de van Gogh, las leyendas ya van. Muchos dicen que se lo cortó a él mismo, pero se adoptó una versión oficialmente más creíble, que el oído sufrió del artista en una pequeña pelea con otro artista: Paul Gauguin. El secreto de esta imagen es que el artista estaba dibujando su autorretrato a partir de un reflejo en el espejo: la oreja derecha está vendada en la imagen, sin embargo, en realidad fue dañada por su oreja en el lado izquierdo.
8. Grant Wood, American Gothic, 1930
En la pintura estadounidense, esta imagen, con los rostros tristes y tristes de la gente de Iowa, se considera la más sombría y opresiva. Después de que el lienzo se exhibió en Chicago en el Art Institute, los jueces no le dieron grandes recompensas de inmediato y fueron calificados como una imagen satírica. Sin embargo, el curador del museo se sorprendió y creyó que las imágenes de los residentes rurales de esa época se reflejan aquí. Influyó en el resultado de la evaluación final, y finalmente Grant Wood recibió un premio de $ 300, después de lo cual el museo inmediatamente compró esta imagen. Entonces la imagen cayó en las páginas de los periódicos.
Sin embargo, esta imagen no causó tal admiración, como en el conservador del museo, entre los habitantes del estado de Iowa. Por el contrario, el mar de críticas recayó sobre esta obra, y los Aiovtsi se sintieron profundamente ofendidos, que el artista los mostró de una manera tan sombría y lúgubre. Más tarde, el artista explicó que al pasar por el estado de Iowa, conoció una interesante casa blanca, construida en el estilo de la carpintería gótica, y decidió crear a sus habitantes en su asunción, y no quería ofender a los aldeanos de este estado.
El artista incluso abrió los nombres de los asistentes a los que escribió imágenes: la chica del delantal pasado de moda estaba escribiendo a su hermana, y el hombre severo con una mirada dura es el dentista del artista, que en la vida no se ve tan malhumorado. Sin embargo, la hermana Wood permaneció insatisfecha, afirmó que en la imagen podría confundirse con una esposa del doble del hombre mayor. Por lo tanto, solo con sus palabras se cree que el lienzo muestra al padre y a la hija, pero el artista nunca lo comentó.
9. Salvador Dalí, una joven virgen que se entrega al pecado de Sodoma con la ayuda de los cuernos de su propia castidad, 1954.
Hasta la reunión con Gala para Salvador Dalí fue una musa y modelo a tiempo parcial de su hermana Anna Maria. Y en 1925 se publicó la imagen "Figura por la ventana". Pero un día el artista se atrevió a dejar una insultante inscripción en una de sus obras sobre su madre: "A veces escupo en el retrato de mi propia madre, y me da placer". Para este truco impactante, la hermana no podía perdonarlo, después de lo cual su relación se deterioró.
Y cuando Anna Maria en 1949 publicó su libro titulado "Salvador Dalí a través de los ojos de la hermana", ella no describió la admiración del artista, lo que enfureció a El Salvador. Y, según los expertos, en represalia por la hermana del libro en 1954, el artista ofendido creó el cuadro "Una joven virgen que se rinde al pecado de Sodoma con la ayuda de los cuernos de su propia castidad". En esta imagen, el paisaje fuera de la ventana, los rizos rojos y la ventana abierta están claramente entrelazados con la imagen "Figura fuera de la ventana".
10. Rembrandt Harmens van Rijn, Danae, 1636-1647
Durante los trabajos de restauración en los años 60 del siglo 20, la imagen fue irradiada por rayos X, después de lo cual se supo que Danae tiene 2 caras. Inicialmente, el rostro de la princesa fue escrito a partir de la imagen de la esposa del artista Saskia. Sin embargo, su esposa murió en 1642, y después de su muerte, Rembrandt comenzó a vivir con su amante Hertie Dirks. Por lo tanto, la pintura ya la terminó el artista, y la cara de Danae cambió y se asemeja a la imagen de Dirks.
11. Leonardo da Vinci, Retrato de Madame Lisa del Giocondo, 1503-1519.
En todo el mundo, Mona Lisa es reconocida como perfecta, y su sonrisa es tierna y misteriosa. El misterio de esta sonrisa se intentó descifrar el crítico de arte y al mismo tiempo el dentista estadounidense Joseph Borkowski. Según su opinión experta, se ha postulado la teoría de que la "bella Mona Lisa" sonríe misteriosamente por una simple razón: le faltan muchos dientes. Estudiando los fragmentos agrandados de su boca, Joseph incluso consideró las cicatrices a su alrededor, por lo que afirma que algo le sucedió a la heroína, como resultado de lo cual perdió una cantidad significativa de dientes. Y su sonrisa es típica de un hombre que no tiene dientes frontales.
12. Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertad en las barricadas, 1830
El historiador de arte Etienne Julie cree que la imagen de la libertad fue escrita por la famosa revolucionaria de la época, Anna Charlotte, que era una plebeya y una lavandera de profesión. Esta mujer desesperada fue a las barricadas y mató a los 9º soldados reales. En un paso tan valiente, la muerte de su hermano, que cayó en manos de los guardias, la despertó. Un cofre desnudo en Freedom en la imagen significa que la democracia y la libertad misma es lo mismo que un plebeyo que no usa corsés.
13. Kazimir Malevich, Plaza Suprematista Negra, 1915
Algunas personas atribuyen el poder místico a la Plaza Negra de Malevich. Sin embargo, como se vio después, el autor no puso nada mágico en esta imagen, y la imagen en realidad se llamó "La Batalla de Negros en una cueva oscura". Tal inscripción fue descubierta por especialistas de la Galería Tretyakov.
El cuadrado resultó no ser muy cuadrado, ya que ninguno de los lados es paralelo al otro, pero no es la negligencia del artista, sino su deseo de crear una forma dinámicamente móvil. Y el negro es solo el resultado de mezclar colores de diferentes tonos. Lo más probable es que Malevich respondiera a la imagen de otro artista, Alfons Alla, quien pintó un rectángulo completamente negro, llamando a la obra "La batalla de los negros en una cueva oscura en lo profundo de la noche".
14. Gustav Klimt, retrato de Adele Bloch-Bauer, 1907
Detrás del secreto de este retrato se encuentra un triángulo de amor entre la mismísima amante de Bloch-Bauer, su marido y el artista Klimt. En resumidas cuentas, entre la esposa de un magnate azucarero y un artista popular en aquellos años, se produjo un romance turbulento, y probablemente todo Viena lo sabía.
Cuando esta noticia llegó al marido de Adele Ferdinand Bloch-Bauer, decidió vengarse de sus amantes de una manera inusual.
Herido por la traición de su esposa, el Sr. Bloch-Bauer recurrió a su amante Gustav Klimt con la orden: escribir un retrato de su esposa. El astuto magnate decidió que rechazaría los retratos de su esposa, y el artista tendría que hacer cientos de nuevos bocetos. Y esto es necesario para que el artista simplemente salga de la modelo Adele Bloch-Bauer. Entonces, Adele debería ver cómo la pasión de Klimt por ella se desvanece, y la novela llegará a su fin.Como resultado, el plan insidioso de Ferdinand funcionó tal como lo había planeado, y después de escribirlo, los amantes de la imagen final se separaron para siempre. Sin embargo, Adélie no sabía que su marido era consciente de sus amores con el artista.
15. Paul Gauguin, ¿de dónde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos?, 1897-1898.
Esta imagen fue un punto de inflexión en la vida del artista, o más bien, realmente lo trajo a la vida, después de un suicidio fallido. Escribió una obra en Tahití, donde a veces escapaba de la civilización. Pero esta vez las cosas no salieron tan bien: la pobreza constante llevó al artista imaginario a una profunda depresión.
Terminó de pintar como un testamento de la humanidad, y cuando la obra maestra se completó, el artista desesperado fue a las montañas con una caja de arsénico para terminar con su vida. Sin embargo, no calculó la dosis y, retorciéndose de dolor, regresó a casa y se durmió. Después del despertar y la conciencia de su acto, el artista volvió a su sed anterior de por vida, y cuando regresó a casa todo fue normal, comenzó un recrudecimiento creativo y las cosas fueron cuesta arriba.
El secreto de esta imagen es que debe leerse de derecha a izquierda, como los textos cabalísticos que el autor de la pintura estaba fascinado en ese momento. El trabajo habla de la vida espiritual y física de una persona desde el nacimiento hasta la muerte (en la esquina inferior derecha dibuja al bebé como símbolo de nacimiento y en la esquina inferior izquierda, vejez y un pájaro atrapando a un lagarto como símbolo de muerte).
16. Peter Bruegel el anciano, proverbios holandeses, 1559
Esta verdadera obra maestra no contiene en sí ni más ni menos, sino unos 112 proverbios. Algunos de ellos hablan sobre la estupidez humana. Muchos son relevantes para este día: "armados hasta los dientes", "navegar contra la corriente".
17. Paul Gauguin, pueblo bretón bajo la nieve, 1894.
Esta imagen refleja la profundidad de la fantasía del hombre, ya que el arte se puede ver de diferentes maneras. Por primera vez, el lienzo fue vendido después de la muerte del artista en una subasta por miserables siete francos llamados "Cataratas del Niágara". Sucedió porque el organizador de la subasta lo colgó en la parte superior con los pies y vio una cascada en la imagen, y no una aldea, cubierta de nieve.
18. Pablo Picasso, Habitación Azul, 1901
La solución de esta imagen fue un éxito para los historiadores del arte solo en 2008, después de que fue iluminada por la radiación infrarroja. Después de eso, se descubrió la segunda imagen o, lo más probable, la primera. Bajo la imagen principal de la mujer en la habitación azul, la figura de un hombre vestido con un traje y una mariposa, apuntalando su cabeza con la mano, se hizo claramente visible.
Según la experta Patricia Favero, cuando Picasso tuvo inspiración, inmediatamente agarró la brocha y comenzó a dibujar. Y tal vez, en el momento siguiente, cuando la musa lo visitó, el artista no tenía un lienzo en blanco a mano, y comenzó a pintar una nueva imagen encima de la otra, o Pablo simplemente no tenía dinero para nuevos lienzos.
19. Miguel Ángel, La creación de Adán, 1511
Esta imagen se puede llamar una lección de anatomía. Entonces, según los especialistas estadounidenses en neuroanatomía, la imagen muestra un cerebro enorme con partes claramente visibles, por ejemplo, la glándula pituitaria, el cerebelo, los nervios ópticos e incluso la arteria vertebral, que se representa como una cinta verde brillante.
20. Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutnist, 1596
Esta imagen fue exhibida en el Hermitage durante mucho tiempo bajo el nombre de "Lutnistka". Sin embargo, en la primera mitad del siglo XX, los historiadores del arte y los expertos descubrieron que la imagen representa a un hombre joven, no a una niña. En este pensamiento, fueron empujados por notas que yacían ante la imagen de un hombre. Pueden ver el partido masculino bajo de Madrigal Jacob Arkademt "Sabes que te amo". Por lo tanto, es poco probable que una mujer haga esa elección para cantar.
Además, durante la vida del artista, tanto el laúd como el violín, que se representan sobre lienzo, se consideraron instrumentos musicales exclusivamente masculinos. Después de esta conclusión, la imagen fue exhibida bajo el nombre de "Lutnist".